Ennio Tamburi lavora
"La mia direzione è verso forme geometriche non finite, fluide, con la materia liquida dei colori lasciata libera di correre: creo argini sulla carta, lasciando che le forme passino comunque, si sfaldino. In questo, credo, ci sia un nuovo senso drammatico che è entrata nella mia vita: infatti l'acqua è anche qualcosa che sfugge come il TEMPO” ET
Influssi...
Da una delle ultime interviste dell'artista in cui ci racconta l'evoluzione della sua arte:
"Avevo appena scoperto l'arte concettuale, il Minimalismo, e avevo trovato la libertà che cercavo come gioco tra immagine e materia fino a quel momento a me sconosciuta: proprio nel rapporto con il Materia, in particolare metalli e neon, che avevo iniziato a creare sculture, sentivo che questa nuova linea d'arte mi permetteva di esprimere al meglio le mie esperienze di vita, perché, nonostante quello che molti hanno ho pensato alle mie opere, non sono un artista inventivo, non lo sono mai stato.L'origine delle mie opere è sempre figurativa, ma ci sono diversi modi per sintetizzare ciò che vedi e vivi attraverso l'arte, qualcosa che il minimalismo mi ha fatto capire come un Prendiamo Robert Barry, Donald Judd, James Turrell, ma soprattutto Ellsworth Kelly: Kelly è stato per me un riferimento assoluto, il mio santo, la perfetta sintesi di forma e contenuto, ed è lungo la strada indicata dal suo lavoro che ho iniziato ". .....
Negli anni settanta sono entrato in contatto con Leo Castelli che, dopo aver visto una mia mostra a Spoleto, mi ha invitato ad esporre nella sua galleria a New York.
Dall'esperienza americana sono tornato arricchito dalla consapevolezza di un'arte pura, quella di Barnett Newman e Agnes Martin: un'arte dall'effetto psicoanalitico e liberatorio, che nel tempo ha portato ad abbandonare definitivamente i limiti delle tele e delle cornici, il pesantezza dei colori ad olio o acrilici, e una certa teatralità delle forme. ".....
Un altro passo fondamentale per la mia arte è stato andare to Svizzera, dove ho trascorso lunghi periodi dall'inizio degli anni Novanta. Con questo paese ho scoperto un'affinità di sintesi avendo acquisito una disciplina formale che mi ha liberato dalla ricerca della complicità con l'osservatore e per i residui della narrazione. Ho imparato a non raccontare più storie, ma forme.
Sempre in Svizzera, in una piccola cartoleria di Zurigo, ho scoperto carte orientali: la loro qualità tattile mi ha portato a lavorare con gli acquerelli, sviluppando un codice, fatto di punti, eliminando le immagini definite. È un codice, una scrittura personale con cui ho lavorato a lungo e a cui sono molto legato, anche se ora vado altrove.
ET dice….
Mi considero un artista che ha un rapporto con il sociale, a differenza di chi si chiude in se stesso che fa quello che sente. Cerco di essere interprete di questo tempo per suscitare riflessioni, lamentele, disagi. Mi pongo come testimone di un viaggio terreno, sempre con le antenne alzate per cercare di cogliere quanto sta accadendo.
Nel mio lavoro c'è sempre un po' di ironia, la voglia di sdrammatizzare e unire. La mia pittura rappresenta luoghi, come geografie, o meglio territori. All'interno di questi territori mi esprimo con il "punteggiato" che è un linguaggio, ma anche espressione di quantità, geometrie, dinamiche. Molte volte in questi luoghi che ho chiamato enclos, dal francese recinti, l'individuo si identifica con i suoi simili. Con il mio lavoro ho cercato di andare oltre, di portare il recinto, questo simbolo, ad un'ipotesi di integrazione. E anche rompere le differenze cercando di metterle in contatto. Tentare questa integrazione è molto difficile sia dal punto di vista significativo che sociale.
Lavoro su due livelli. Il primo è lo sfondo dai colori acquosi dove non c'è la pittura, ma il colore affidato all'acqua che disegna, lascia macchie, piccole pozzanghere prima che si asciughi. In questa prima fase non c'è nessun intervento da parte mia, è tutto casuale, legato alla libera fantasia dell'acqua che si dispone come vuole. Quando il colore si asciuga si passa al secondo livello: costruzioni geometriche e dinamiche, solitamente con un unico colore, e in questa fase lavoro con grande meticolosità. Ci sono mille punti per raggiungere quella forma, quel concetto di due facce che si fronteggiano sospettose. Sento la necessità di raggiungere la simmetria e l'equilibrio tra il non controllo di primo livello e la geometria razionale. Non oso condizionare il primo livello, perché è la parte più spontanea e creativa. Proprio per questo non ho mai buttato via la mia carta.
(Da Ennio Tamburi: la vera arte è sfuggire alla banalità, Intervista a Ennio Tamburi, Panorama di Myriam Dolce)
